Je suis allée voir une exposition au Louvre au mois d'Avril 2017.

C'est l'événement de ce printemps, la première exposition sur le peintre depuis un demi siècle. Douze oeuvres de Vermeer y sont rassemblées dont la fameuse Laitière qui ne sort pratiquement jamais du Rijksmuseum d’Amsterdam. Un événement aussi car on y découvre le peintre, non pas comme le seul grand maître de son temps, mais faisant partie de tout un réseau de peintres - spécialisés dans la représentation de scènes d'intérieur élégantes et raffinées - avec lequel il a interagi.

Voici un tableau de Peter de Hooch : La peseuse d'or (1666)

 

Vermeer semble s’être inspiré de la composition de Pieter de Hooch, mais ce dernier, après avoir vu la version épurée du peintre de Delft, aurait retouché son tableau en supprimant un homme assis en bout de table, comme le révèle la radiographie...

 

Johannes Vermeer : Jeune femme à la balance (1164)

 

 

Dans les tableaux qui suivent, les deux peintres ont représenté la maîtresse de maison lisant une lettre pendant qu'une servante se tient debout, en retrait.

 

Gabriel Metsu : Jeune femme lisant une lettre (1664-1666)

 

 

Johannes Vermeer : La lettre (1666)

 

 

Johannes Vermeer : La lettre interrompue (vers 1666)

 

Gabriel Metsu : Jeune homme écrivant une lettre (1665)

 

Gérard Ter Borch : Femme à son miroir (1651-1652)

 

 

Frans Van Mieris : Femme à son miroir (1662)

En réalité, la jeune femme tient son collier de perles dans la main droite.

 

Tout comme dans ce tableau de Johannes Vermeer : La jeune fille au collier de perles (1664)

 

 

La musique joue un grand rôle dans la peinture du XVIIème siècle.

 

Frans Van Mieris : Le duo (1654)

 

 

Johannes Vermeer : Jeune fille assise au virginal (vers 1673-1675)

 

Dans les deux tableaux qui suivent, le sujet principal - dans un intérieur un peu désordonné - est représenté derrière l'encadrement d'une porte.

 

Samuel Van Hoogstraten : Les pantoufles ou Intérieur hollandais (1655-1662)

 

 

Jan Steen : Femme à sa toilette (1663)

 

Peter de Hooch : La nourrice, l'enfant et le chien (658-1660)

 

 

La lumière provient parfois d'une chandelle comme ici dans ce tableau :

Gérard Dou : L'astronome à la chandelle (vers 1665)

 

ou encore d'une fenêtre ouverte comme ici dans celui-ci.

Johannes Vermeer : L'astronome (1668)

 

Johannes Vermeer : Le géographe (1669)

 

 

Même position de la main qui verse le liquide dans ces deux tableaux.

 

Gérard Dou : La cuisinière hollandaise (1650)

 

Johannes Vermeer : La laitière (1658)

 

Des femmes concentrées sur leur ouvrage...

 

Nicolas Maes : Jeune femme à sa couture (1665)

 

 

Johannes Vermeer : La dentelière (1670)

 

 

Gérard Ter Borch : l'admonestation paternelle (vers 1654)

 

 

Johannes Vermeer : Allégorie de la foi catholique (entre 1670 et 1674)

 

 

Frans Van Mieris : Femme au manteau rouge nourrissant un perroquet (vers 1663)

 

 

Caspar Netscher : Femme au perroquet (1666)

 

 

J'aime quand les expositions ne sont pas trop importantes.

Celle-ci était superbe.

L'été dernier je suis allée voir une exposition au Musée d'Art moderne intitulée "L'intensité d'un regard". Elle présentait les tableaux de la première femme artiste-peintre à avoir un Musée qui lui soit consacré : Paula Modersohn-Becker.

C'est une artiste (allemande) surprenante : on n'a pas l'habitude de voir des tableaux aussi forts et surtout sans aucune complaisance. Au début c'est vrai, on est un peu désorienté puis on aime son originalité et ses coups de pinceaux vigoureux.

Beaucoup de portraits de gens du cru, d'enfants, de maternité, d'autoportraits, de paysages et de natures mortes.

Vieille paysanne (1905)

Après une formation à Berlin, Paula Modersohn-Becker rejoint la communauté artistique de Worpswede, dans le nord de l’Allemagne : c'est une région très pauvre où elle commence à peindre ce qu'elle ressent.

Vieille paysanne

On lit beaucoup de choses dans le regard de cette femme : c'est l'une des caractéristiques de Paula Modersohn Becker et le sous-titre de l'exposition "L'intensité d'un regard" le souligne.

Elsbeth (la fille d'Otto Modersohn) dans le jardin (1902)

Jeune fille nue assise avec des vases de fleurs (1906)

Une petite influence de Gauguin, non ?

Petite fille blonde assise avec un chat dans les bras (1905)

Autoportrait à la branche de camélia (1906-1907)

Autoportrait à son sixième anniversaire de mariage (1906)

Paula n'est pas encore enceinte même si elle rêve de l'être : elle ne le sera qu'en 1907.

Mère nue en buste avec son enfant sur le bras (1906)

Mère allaitant (1903)

Le landau

Enfant endormi (1904)

Nature morte au miroir vénitien (1903)

Nature morte au potiron (1905)

Je vais essayer de reproduire ce tableau aux pastels... mais c'est pas gagné. Beaucoup de travail en perspective !

Voici le dernier tableau peint par Paula Modersohn Becker.

Nature morte avec tournesol (1907)

Un film vient de lui être consacré qui retrace les dernières années d'une vie trop courte puisqu'elle décède à 31 ans suite à un premier accouchement.

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1900 : tandis que Camille Claudel en bave des ronds de chapeau en France, au nord de l'Allemagne, Paula Becker vient juste d’avoir vingt-quatre ans. C'est une grande fille pleine de vitalité, de désirs, d'humour. Elle n'en a toujours fait qu'à sa tête et son coup de pinceau s'affirme loin des codes que son milieu essaie de lui imposer.

Sa peinture est comme elle : forte, pleine de matière, originale, libre. À contre-courant de ce que ses prétendus maîtres lui enseignent, elle peint à grandes touches ce qu'elle ressent, au gré des rencontres, les gens du peuple, les paysages… refusant de se laisser dicter sa place, son inspiration, son style.

Quand elle épouse Otto Modersohn, un homme veuf avec une petite fille (Elsbeth que Paula a peinte), celui-ci est déjà reconnu (il est également peintre) et a du succès. Cependant, malgré la forte complicité qui règne entre eux, malgré tout l'amour et l'admiration qu'il lui voue, Paula se rend vite compte qu'elle ne pourra s'affirmer pleinement qu'en prenant le large. Elle va donc partir pour Paris, où la ville pullule d'artistes dont les rencontres sont stimulantes : Rilke (qui deviendra un grand ami de l'artiste), Gauguin, Cézanne, les Nabis, plein d'autres…

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Pour parler de cette femme hors norme, il était exclu de se montrer académique et figé ; Christian Schwochow a choisi une comédienne à la personnalité singulière, à la présence forte : Carla Juri.

La voici interprétant Paula en compagnie de son futur mari, Otto Modersohn, dans la communauté artistique de Worpswede, dans le nord de l'Allemagne.

Paula présente à Rilke son portrait qui n'enchante pas le poète...

Paula rit fort, marche à grand pas, elle est robuste, ne cherche pas à minauder ou à plaire. A une époque où on demandait avant tout aux femmes d'être charmantes, décoratives, discrètes, elle vit à fond, ne cède sur rien, se moque des conventions. Elle est une femme libre et au-delà d'un portrait d'artiste qui mérite d'être connue pour son œuvre, le film raconte qu'il est possible de se vivre femme autrement, quelles que soient les circonstances, l'époque, la pression culturelle et sociale…

J'ai adoré ce film.

Il y a aussi un livre que Marie Darieussecq lui a consacré, Etre ici est une splendeur (vie de Paula M. Becker), qui lui est consacré.

Je viens de me le faire prêter par ma voisine pour nos vacances à Courcelles...

La semaine dernière je suis allée en compagnie d'une amie visiter l'exposition Frédéric Bazille au MO, comme on dit quand on est snob !

C'est un peintre que je connaissais un peu mais que je ne savais pas classer. En fait, l'exposition s'appelait "La jeunesse de l'impressionnisme" : voilà maintenant chose faite.

Il y avait une queue pas possible car c'était le dernier jour de l'exposition mais, heureusement, j'avais des billets coupe-file, ce qui nous a permis de passer devant presque tout le monde...

Frédéric Bazille est né à Montpellier en 1841 et est décédé au combat à Beaune-la-Rolande en 1870 (il s'engage à cette époque contre la volonté de sa famille pour lutter contre l'occupant) : il ne lui a fallu que 28 ans pour devenir un peintre célèbre.

Il a d'ailleurs souvent été un sujet pour les peintres, les sculpteurs, ou même les photographes.

Le voici photographié par Etienne Carjat en 1865 dans une pose académique.

Et voici le médaillon sculpté par Philippe Solari en 1868

Ici, il est immortalisé par Pierre Auguste Renoir en 1867-1868.

Et voici le buste qu'en a fait Auguste Baussan en 1883. Il s'agit d'un modèle pour le monument funéraire de l'artiste au cimetière protestant de Montpellier.

Je n'ai retenu que quelques uns des tableaux exposés, dont celui-ci qui s'intitule :

L'atelier de la rue de la Condamine (1869-1870)

Frédéric Bazille déménage à l'hiver 1867 de la rue Visconti (près de Saint-Germain des Prés) pour aller dans le XVIIème arrondissement aux Batignoles où il loue un immense atelier pour 200 francs de plus. C'est le quartier de l'avant-garde artistique, non loin du café Guerbois et de Manet.

Pour la dernière fois, il représente l'intérieur de son atelier, ici habité de la joyeuse présence de ses amis réunis autour de sa propre silhouette peinte par Manet. Maître joue du piano ; Manet et peut-être Monet regardent un tableau sur le chevalet (la vue de village) ; en haut de l'escalier, Renoir s'adresse à un homme qui pourrait être Sysley. Beaucoup de tableaux aux murs ont été refusés au Salon, mais cette société bohème aime désormais à se définir par son indépendance vis-à-vis des institutions.

Dans la même pièce, un très joli tableau de Jean-Baptiste Corot peint en 1868 sur le même thème.

Un tableau très touchant : cette "Petite italienne chanteuse de rue" qui date de 1868.

Sans le reflet... Un des rares tableaux du peintre à montrer la vie parisienne

En parallèle dans une salle : Femmes au jardin de Claude Monet (1886)

A l'époque, Frédéric Bazille l'acheta à Monet qui était à cours d'argent...

et La réunion de famille de Frédéric Bazille (1867)

Deux tableaux peints en plein air : une innovation à l'époque.

 

La robe rose peint en 1864 m'a emballée. Si je ne devais retenir qu'un seul tableau de Frédéric Bazille, ce serait celui-là : la luminosité du soir tombant (ou du petit matin ?) est merveilleuse.

Cliquez sur l'image...

Loin de "l'indigestion de murailles et de rues" de la capitale, Bazille profite des beaux jours dans la propriété familiale de Méric pour peindre Thérèse des Hours, sa cousine de quatorze ans, assise sur le muret de la terrasse, dominant la rivière du Lez. Face à elle, le village de Castelnau. Première des "Figures au soleil" peintes par Bazille, l'oeuvre est déjà une réussite pour le jeune peintre et pose les principes de ses recherches futures : la composition est claire et recherche l'équilibre, les couleurs du paysage vivement éclairé à l'arrière-plan contrastent avec la figure au premier plan dans l'ombre, le sujet - moderne et familier - fait la part belle à un sentiment d'indolence et de douce rêverie.

 

Le pêcheur à l'épervier (1868)

De dos, un homme nu s'apprête à jeter son épervier - un filet - dans une mare. La pose de l'homme assis renvoie au "Tireur d'épine" du Musée du Capitole.

De la même année, une très belle étude de jeune homme nu (1868)

Scènes d'été (1870)

La toilette (1870)

On pense évidemment à l'"Olympia" de Manet peint quelques années plus tôt en 1863.

J'ai beaucoup aimé aussi ce tableau : jeune femme aux pivoines (1870)

Ici, la jeune femme n'est plus une marchande de fleurs mais une domestique en train d'arranger un somptueux bouquet. Si le peintre est encore tributaire de certains stéréotypes ethniques et sociaux, il est l'un des rares artistes de sa génération à avoir su voir la beauté de la peau sombre du modèle et comment en tirer profit pour ses harmonies de couleur. Les teintes vives des fleurs (pivoines, tamaris, iris, cytise) mais aussi le fond sombre mettent particulièrement en valeur le brun chaud et lumineux de la carnation du modèle.

Il s'agit de l'un des chefs-d'oeuvre de la dernière année de création de l'artiste. 

 Dans la série des natures mortes aussi : vase de fleurs sur une console (1867 - 1868)

Le tableau était destiné à orner la demeure de Pauline des Hours, la cousine de Bazille, qui venait de se marier.

 

Le 16 août 1870, contre toute attente, Bazille s'engage dans un régiment de zouaves. Réel élan patriotique ou geste suicidaire ? Volonté de prouver à ses proches – et à lui-même – sa valeur, ou "divertissement" ?
Bazille semble se saisir de l'opportunité de cette aventure militaire pour résoudre une crise personnelle, dont ses derniers tableaux portent la trace.

A la sortie de l'exposition, nous avons fait un tour dans la partie sculptures du musée.

 

Antoine Bourdelle : Héraklès archer (1909-1924)

Pas mal le mec, non ?

Moi Paris j'adore !

Il y a un quelques temps, je suis allée voir l'exposition Bernard Buffet au Musée d'Art Moderne.

Le bâtiment est de style Art Déco.

Le portail d'entrée est l'oeuvre du ferronnier d'art Adalbert Szabo : il est décoré de huit hauts-reliefs en bronze doré peut-être (?) l'oeuvre du sculpteur Gabriel Forestier.

 

Bernard Buffet, c'est ma jeunesse : il faisait parfois la Une du journal télévisé des années 60 - époque à laquelle mes parents se décidèrent enfin à acheter la télévision (en 1964 exactement : j'ai un repère car nous avons pu voir en direct l'assassinat de Kennedy.), télévision qui était incompatible à leurs yeux avec les études de leurs deux filles... Maintenant les enfants ont une tablette à 5 ans quand ce n'est pas avant ! Autres temps, autres mœurs.

C'était en effet à cet époque un peintre qui avait le vent en poupe : aussi novateur que Picasso, sa peinture étonne et même parfois dérange - le monde de l'art en tout cas - mais pas le public, qui lui l'acclame.

 Bernard Buffet est né en 1928 à Paris. Elevé aux Batignolles, il commence à peindre ou à dessiner à l'âge de 10 ans. Renvoyé du Lycée Carnot en 1939, il suit les cours du soir de la Ville de Paris où il est initié au dessin. En 1946, il expose son premier tableau, un autoportrait au Salon des moins de trente ans à la Galerie des Beaux-Arts.

En 1958, alors qu'il venait de quitter Pierre Bergé, avec lequel il vivait depuis plusieurs années et qui gérait sa carrière, il rencontre Annabel Schwob dont il tombe amoureux. Buffet devait la portraiturer inlassablement. En 1961, l'une de ses expositions s'intitula « Trente fois Annabelle Schwob ».

A ses débuts, au sortir de la guerre, la rareté des couleurs disponibles commande la tonalité générale de ses peintures (gris, ocre) et la finesse de la couche picturale. Il prend ses proches comme sujets, se peint beaucoup lui-même et fait l’inventaire des objets familiers : paniers à bouteilles, dessous de plats, lampes à pétroles et moulins à café. Les animaux qu’il peint – lapin, raie, achetés au marché – s’inscrivent dans une tradition picturale, de Chardin à Courbet.

 L'invention d'un style 

L'atelier (1947)

Le peintre s'y est représenté.

La ravaudeuse de filets (1948)

J'ai adoré ce tableau que je ne connaissais pas.

Deux hommes dans une chambre (1947)

Il faut oser...

 Le buveur (1948)

Dans la lignée des buveurs d'absinthe de Degas à Picasso...

 

Nature morte au coq mort (1947) 

 

Pierre Bergé (1950)

C'est l'année où le peintre rencontre le rencontre à Paris. Il deviendra son compagnon jusqu'à sa rencontre avec Annabel. 

 La Passion 

Pieta (déposition de croix) - 1946 

La Passion du Christ (Crucifixion) - 1951

 

Lapidation (1948) 

La barricade (1949)

 Nanse 

La maison (1951)

Bernard Buffet et Pierre Bergé séjournaient parfois à Nanse dans les Alpes de Haute Provence.

 

Intérieur de la maison de Nanse

On y voit le peintre en train de terminer son autoportrait (le tableau est adossé au mur de pierres sèches).

Autoportrait (1952)

 Le cirque 

Bernard Buffet effectue plusieurs tableaux sur le thème du cirque, destinés à son exposition de 1956 à la Galerie Drouant- David.

Tête de clown (1955)

Dans les années 60, des reproductions de cette oeuvre sont diffusées dans le monde entier.

Les trapézistes (1955)

Acrobates (1955)

 Horreur de la guerre 

Une pièce entière est réservée à l'exposition du Tryptique "Horreur de la guerre".

Le peintre se défend ici de toute intention politique. Il dit qu'il a seulement peint ce que lui inspirait la guerre : "Si j'ai été aussi violent, c'est que le sujet traité ne permettait pas la douceur".

 

L'ange de la guerre (1954)

 Que c'est bien observé !

Les pendus (1954)

Les fusillés (1955)

Sans commentaire...

 La fureur de peindre 

Le sommeil d'après Courbet (1955)

Autoportrait (1955)

Atelier (1958)

Illustration de "La voix humaine" de Cocteau (1957)

 Annabel 

La natte - 1960

 A cette date s'arrête le Bernard Buffet que j'aime. L'exposition le montre dans son intégralité mais cela ne me branche pas de vous montrer la suite.

Na !

 Avec mon amie Marie-France, nous nous sommes inscrites cette année à des conférences sur la peinture, accompagnées d'une carte coupe-file pour l'exposition correspondante. L'association s'appelle CO.RE.TA. pour "COmment REgarder un TAbleau" et elle a été fondée en 1992 par Françoise Barbe-Gall qui assure les conférences.

Notre première conférence traitait de la peinture américaine des années 1930 : de Georgia O’keeffe à Edward Hopper - l'exposition se tient au Musée national de l'Orangerie ( du 12 octobre 2016 au 30 janvier 2017)

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L'exposition est scindée en quatre parties précédées d'une introduction.

► Introduction

Entre la crise de 1929 et la seconde Guerre mondiale, de multiples univers esthétiques se développent et se confrontent aux États-Unis. La peinture absorbe les angoisses contemporaines, dues à la Grande Dépression aussi bien qu’à la montée du nazisme en Europe, tout en fondant un langage pictural proprement américain. Un ensemble exceptionnel d'une cinquantaine de toiles de collections privées, mais aussi de l'Art Institute à Chicago, du Whitney Museum ou du Museum of Modern Art à New York,est exposé à l’Orangerie : de l'abstraction au réalisme social en passant par le régionalisme, les œuvres de Marsden Hartley, de Georgia O’keeffe de Edward Hopper ou de Grant Wood entre autres, y racontent l’histoire de cette période foisonnante.

Une petite vidéo pour planter le décor.

Grant Wood

C'est le Léonard de Vinci des américains : on parle d'American gothic aux Etats-Unis comme on parlerait de la Joconde en France...

Le tableau fait d'ailleurs l'affiche de l'exposition : il représente un couple d'agriculteurs américains (le père et sa fille) devant une maison de style gothique (le peintre a pris comme modèles sa soeur et son dentiste...). On remarque la fourche à foin à trois dents de l'homme, reprise dans les coutures de sa salopette ainsi que dans la fenêtre en ogive de la maison.

American gothic (1930)

Les mines sont sombres, c'est le moins qu'on puisse dire...

 Georgia O'keeffe

Georgia O'Keeffe est une peintre américaine considérée comme une des peintres modernistes majeures du XXème siècle. Ce tableau fait référence à la menace du "Dust Bowl" (ces tempêtes de poussière dues à la sécheresse qui ravagèrent le Middle West américain dans les années 1930).

Crâne de vache avec roses (1931)

 

Stuart Davis

 

New-York Paris (1931)

Le peintre a été influencé par le cubisme et le fauvisme lors de son premier séjour à Paris en 1928. Si l'on reconnait aisément New-York grâce à l'Empire State Building et la pompe à essence, Paris n'est qu'évoqué que par le biais de l'Hôtel et de son café.

► 1- Contrastes américains : puissance industrielle et retour à la terre

Les peintres de cette période se firent défenseurs ou pourfendeurs de l’industrie américaine et représentèrent la production et le travail dans des styles différents, allant du réalisme à l’abstraction.  Le paysage rural américain dépeint par les artistes des années 1930 apparut pourtant à la fois comme un lieu de dévastation et une source de renouveau. La représentation de la nature par les peintres régionalistes se révéla ainsi une puissante métaphore de croissance et de renaissance durant la Dépression.

Charles Sheeler

Henry Luce, fondateur en 1930 du magazine Fortune, premier journal des Etats-Unis consacré au monde économique, commanda vers la fin de la décennie à Sheeler une série de peintures devant illustrer le pouvoir économique américain.

Charles Sheeler est l'un des fondateurs du mouvement du Précisionnisme.

Turbine en suspension (1939)

 Paysage américain (1930)

Charles Sheeler, qui était aussi photographe, affirme ici la foi de l’Amérique dans son industrie (qui doit participer à la reprise économique du pays à l'aube de la guerre...).

Charles Demuth

Et la patrie des braves (1931)

Le peintre représente ici une usine productrice de tabac du Comté de Lancaster, en Pennsylvanie, milieu dont l’artiste lui-même était issu. Le titre du tableau fait référence au texte de l'hymne national américain (The Star-Spalgled Banner).

Charles Green Shaw

Shaw était fortuné et put pratiquer l’art de la peinture de manière indépendante. Il voyagea en Europe dans les années 1930, où il rencontra des artistes et commença à collectionner leurs œuvres. Il participa en 1936 à la fondation de l’American Abstract Artists Group et visita l’exposition Fantastic Art, Dada and Surrealism au MoMA puis réalisa cette toile, inhabituelle pour lui. Elle assemble de manière humoristique l’abstraction géométrique à l’un des produits de consommation les plus emblématiques du pays : une boîte de chewinggum de la marque Wrigley. Le tableau apparaît comme une image typiquement américaine et anticipe les œuvres plus tardives du Pop art d’Andy Warhol et Roy Liechtenstein.

Wrigley's (1937)

 

Joe Jones

 Originaire de Saint-Louis dans le Missouri, Joe Jones s’identifia aux travailleurs de sa ville menacés par la Dépression et s’engagea dans le communisme après avoir travaillé dans une colonie d’artistes. On voit sur la toile des ouvriers des docks, assis devant un homme plus aisé et dominateur, exploitant sans doute leur travail pour un faible salaire.

  Débardeurs (1934)

J'aime beaucoup ce camaïeu de couleurs.

Alice Neel

Pat Whalen (1935)

Pat Whalen était un syndicaliste communiste : on remarque dans le tableau le visage grave et le poing serré de l'homme, déterminé à poursuivre la grève dans les aciéries dont parle le journal (daté de juin 1935 - The Daily Worker).

 

Beaucoup de similitudes entre les trois toiles suivantes je trouve.

La première est de Marvin Cone et s'intitule Méandre de la rivière (1938).

Un critique comparait alors les paysages de Cone à ceux des Primitifs italiens. Celui-ci donnait en effet une image idyllique des Paysages de l’Iowa mais il refusa l’étiquette de peintre régionaliste. Comme d’autres œuvres de l’artiste, cette toile apparaît comme une expérience individuelle plutôt qu’une représentation réaliste.

 

La deuxième est de Grant Wood qui se lia d'ailleurs d'amitié avec Marvin Cone. Elle se nomme Labour d'automne (1931).

On pense au Douanier Rousseau évidemment...

La troisième est également de Grant Wood. Son nom : Plantation de maïs (1931).

 Thomas Hart Benton

Hart Benton effectua un voyage en Géorgie en 1928, durant lequel il fut frappé du contraste entre le lent développement économique du sud des Etats-Unis et l’industrialisation triomphante du nord.

Cueilleurs de coton (1945)

Cette oeuvre est celle d'un peintre engagé qui dénonce l'existence difficile de la communauté afro-américaine du sud : on y voit des hommes et des femmes travaillant sous un soleil de plomb tandis qu'un bébé dort à même le sol. Il s'agit probablement de fermiers louant leur terre à un propriétaire terrien en échange d'une partie du revenu de la cueillette du coton (on parle du "sharecropping" : métayage en français).

Meule de foin (Thomas Hart Benton - 1938)

On reconnait ici la patte du même peintre : mêmes arrondis et même objet d'étude.

Benton employait la technique de la tempera, issue de la Renaissance, où les pigments sont mélangés à du jaune d’œuf. Son œuvre transcende la décennie de la Dépression pour affirmer la dignité et le courage des Américains ruraux.

Collines rouges et fleurs (Georgia O'Keeffe - 1937)

Georgia O'Keeffe, elle, était fascinée par les grands espaces du Nouveau Mexique où elle vivait. Elle a souvent peint des fleurs...

Arthur Dove

Dove était un ami de Georgia O’Keeffe. Il était spécialement attaché aux paysages du Connecticut et de l’Etat de New York et en fit le centre de son œuvre. Il survivait pauvrement mais refusa de réclamer une aide à la Works of Art Project afin de préserver sa liberté de création.

Troncs d'arbre (1934)

Ce tableau traduit son passage d’une représentation réaliste du paysage à des formes fluides plus proches de l’abstraction. Ce nouveau mode d’expression moderniste fut remarqué lors de l’exposition de l’œuvre à la galerie d’Alfred Stieglitz. La toile évoque les œuvres d’artistes européens tels que Hans Arp, Jean Hélion et Joan Miró, visibles alors dans The Gallery of Living Art ouverte en 1927 par Gallatin.

Sans le titre, on serait un peu perdus, non ?

John Steuart Curry

Sangliers tuant un serpent (vers 1930)

Cette toile s’inspire des Chasses de Rubens, artiste préféré de Curry, né dans le Kansas où il grandit dans une famille de fermiers cultivés. Le sujet pourrait être une allégorie biblique montrant le serpent du Livre de la Genèse, tué devant un pommier, arbre du Bien et du Mal du jardin d’Eden.

Ce n'est pas mon tableau préféré.

Alexandre Hogue

Erosion N°2 - Notre terre mise à nu (1936)

Hogue choisit de représenter ici la dure réalité plutôt que d’évoquer une vie agricole idyllique. Les collines désolées des Grandes Plaines (au centre des Etats-Unis) prennent ici la forme d’un gigantesque corps de femme (la terre mère), blessé par la sécheresse et la charrue visible au premier plan.

Le tableau fait aussi référence à la blessure due au crack boursier...

► 2 - La ville spectacle

Edward Hopper

 Cinéma à New-York (1939)

C'est la femme de Hopper qui posa pour la figure de l'ouvreuse : c'est elle qui attire le regard.

Reginald Marsch

Dans la 14ème rue (1934) 

Marsch montre ici l’un des endroits les plus fréquentés de la ville, à proximité d’Union Square. Une jeune femme à l’apparence d’une héroïne de cinéma va croiser la foule sortant d’une bouche de métro, évoquant l’énergie écrasante de la grande ville.

Paul Cadmus

La flotte est à quai (1934)

Le peintre livre ici une vision satirique du débarquement des marins en permission dans Riverside Park. Ces derniers se mêlent à la population locale au fil de rencontres hétérosexuelles et homosexuelles.

Le tableau fût retiré d'une exposition officielle peu après sa création, ce qui lui donna une notoriété immédiate.

Film à vingt cents - 1934

Le cinéma : antidote de la Dépression

Une affiche montrant une femme aux cheveux décolorés, outrageusement maquillée, domine cette salle et fait allusion à l’actrice et sex-symbol Mae West.

Philip Evergood

Marathon de danse (1934) 

Cette toile représente un phénomène particulièrement développé durant la Dépression : les concours ou marathons de danse, dont le couple de danseurs le plus endurant, après des jours et même des semaines de danse sans interruption, percevait enfin une somme d’argent. Les danseurs ne pouvaient se reposer que quinze minutes toutes les quarante-cinq minutes et essayaient de tenir debout jusqu’à l’épuisement. L’un des danseurs traînait parfois son partenaire, tandis que des spectateurs assistaient à ces concours inhumains.

Une pancarte annonce ici que le marathon en est à son quarante-neuvième jour et l’artiste fait du sujet une véritable danse macabre.

William H. Johnson

L’artiste africano-américain Johnson se surnommait lui-même “ un primitif moderne”. Peintre à la formation très aboutie, notamment grâce à de nombreuses années passées en Europe dans les années 1920 et 1930, il revint à New York avec son épouse danoise en 1938 et enseigna à The Harlem Community Art Center grâce à la Work Projects Administration. Là, il affirma une esthétique très personnelle célébrant la vie de Harlem. Jonhson réalisa de très nombreuses études des habitants de son quartier, qui connaissait le développement d’une intense vie sociale et culturelle, notamment musicale.

Scène de rue à Harlem (vers 1939)

La réalité américaine, c'est ça aussi...

Paul Sample

 

Le Dîner de la paroisse (1933)

Sample met ici en scène un repas à la sortie de l’église, dans un paysage stéréotypé de la Nouvelle-Angleterre. L’équilibre d’une société traditionnelle est menacé par l’arrivée d’une jeune femme blonde, aux allures d’actrice de cinéma, associée à la liberté de mœurs de la ville et à la modernité

Music Swing Luis Armstrong (Arthur Dove - 1937)

Dove, musicien amateur, réalisa dès 1927 une série de peintures sur le thème de la musique de jazz. Cette œuvre évoque la musique du célèbre chanteur et trompettiste africano-américain Louis Amstrong. Les motifs abstraits du tableau traduisent les notes aigües de la trompette et la voix grave de ce dernier.

Merci pour l'explication !

► 3 - L'Histoire revisitée

Ilya Bolotowsky

Un petit air de Miro, non ?

Ilya Bolotwsky est originaire de Russie. Il découvre en 1932 les oeuvres cubistes et surréalistes des peintres européens et, de retour aux Etats-Unis, est influencé par les oeuvres de Miro et de Mondrian.

Etude pour la fresque murale du Hall des sciences médicales à l’Exposition universelle de 1939 à New York (1938-1939)

La chevauchée nocturne de Paul Revere (Grant Wood - 1931)

Filles de la Révolution (Grant Wood - 1932)

Le peintre fait dans cette œuvre une allusion à l’Histoire et à la fierté des Etats-Unis en représentant des Filles de la Révolution américaine, descendantes de personnages ayant participé à la Guerre d’Indépendance de 1775, comme le montre la peinture en arrière plan montrant George Washington traversant le fleuve Delaware.

Doris Lee

Thanksgiving (1935)

Home sweet home (Charles Sheeler - 1931)

Sheeler met en scène dans cette toile des objets "Shaker" de sa maison dans l’Etat de New York. Il fait ainsi allusion à l’histoire du pays en évoquant la communauté des Shakers, fondée aux Etats-Unis dans les années 1770 et qui, animés d’une foi puritaine, réalisaient des meubles et textiles très sobres.

Morris Kantor

 

Kantor naquit en Russie et arriva à New York à l’adolescence. Louant une maison ancienne dans la ville de Marblehead dans le Massachusetts dans les années 1920, il fut sensible à l’atmosphère nostalgique de la Nouvelle-Angleterre et de la demeure. Cette œuvre recrée les sensations qui l’avaient saisi et se rattache au thème des maisons anciennes mystérieuses, développé dans de nombreux films et pièces de théâtre de cette période. La présence d’une silhouette sur la droite difficilement identifiable crée une atmosphère inquiétante, qui touche aussi au surréalisme. L’artiste gagna en 1931 le Logan Purchase Prize de l’Art Institute de Chicago pour cette œuvre, qui suscita alors beaucoup d’intérêt.

Maison hantée (1930)

Aaron Douglas

 

Aspiration (1936)

George Lovett

Le peintre fait référence ici à l’art des Indiens d’Amérique. Une exposition sur ce sujet eut lieu pour la première fois en 1931 à New York. Morris avait aussi découvert l’art des Indiens Pueblo à Santa Fe, au Nouveau-Mexique. 

Composition indienne (1938)

► 4 - Cauchemars et réalité

Federico Castellon

La figure sombre (1938)

L’artiste est ici influencé par le surréalisme de Salvador Dali et fait écho aux affrontements déchirant l’Espagne. Le corps désassemblé sur la gauche est un autoportrait tandis que la sombre silhouette féminine accentue l’atmosphère inquiétante de l’œuvre. Celle-ci fut exposée au Whitney Museum en 1941, année où la tension politique atteignit son comble aux Etats-Unis.

C'est vrai qu'on pense tout de suite à un Dali.

Walt Kuhn

Portrait de l'artiste en clown (1932)

Cet autoportrait en Pierrot triste ou fou est peut-être mêlé au portrait d’un véritable clown nommé Ralph Osgood. L’artiste souffrait de dépression et de troubles mentaux. Il demanda que cette œuvre nommée Kansas soit rebaptisée sous son titre actuel après sa mort.

Helen Lundeberg

Double portrait de l'artiste (1938)

Helen Lundeberg se représente à l’enfance et à l’âge adulte, mais sans perspective de futur heureux.

Ivan Albright

Autoportrait (1935)

Albright était originaire de Chicago et fils d’un peintre. Il servit en France comme dessinateur médical durant la Première Guerre Mondiale et en revint avec huit carnets remplis de représentations de corps blessés et de « gueules cassées ». Bien qu’il s’en défendit, cette expérience le marqua profondément et il réalisa des peintures montrant des corps en déclin ou putréfaction, comme ici où l’artiste se représente âgé de 38 ans. Son image évoque directement la figure effrayante du monstre créé par Frankenstein. Ce roman du XIXe siècle connut deux célèbres adaptations cinématographiques en 1931 et 1935, où l’acteur Boris Karloff marqua les esprits.

Pas flatteur l'autroprotrait !

 

Philipe Guston

 

Bombardement (1937)

Le bombardement de la ville basque espagnole de Guernica par l’aviation allemande le 26 avril 1937, immédiatement condamné par le Sénat américain, lui inspira cette toile. Adoptant la forme d’un tondo, à la manière des œuvres de la Renaissance italienne, elle montre par contraste une scène de mort.

 

Peter Blume

La Ville éternelle (1934-1937)

Artiste de gauche, il réalisa à son retour d'Italie où il avait séjourné grâce à une bourse cette allégorie antifasciste complexe, à la manière surréaliste, où la tête de Mussolini jaillit tel un diable de sa boîte, ce qui lui prit trois ans.

 Louis Guglielmi

Portrait de Lénine dans le désert - 1935

Guglielmi était un Américain né en Egypte de parents italiens. Il développa un art « prolétarien surréaliste » comme ce portrait de Lénine dans un paysage d’industrie pétrolière désolé. L’œuvre fait directement allusion à une peinture murale controversée de Diego Rivera au Rockefeller Center de New York, détruite le 10 février 1934, car Rivera avait refusé d’y effacer la figure de Lénine, phénix qui renaît de ses cendres.

Géographie mentale - 1938 (Louis Guglielmi)

Guglielmi dénonce ici les risques de guerre en montrant le pont de Brooklyn, icône de l’architecture new yorkaise, hypothétiquement détruit par un bombardement, comme ceux que connaissait alors l’Europe.

Observez bien la dame sur le pont en cliquant sur l'image : elle a des poissons dans le dos ! Le surréalisme, toujours le surréalisme...

Mort sur une route de Crête (Grant Wood - 1935)

Les accidents automobiles augmentèrent de manière dramatique dans les années 1930 aux Etats-Unis et ce tableau devint l’un des symboles de ce danger.

Grant et deux de ses amis avaient eux-mêmes eu un accident de voiture...

Justice américaine (Joe Jones - 1933)

Le titre ironique de cette œuvre renvoie aux méfaits du Ku-Klux-Klan dont les membres cagoulés viennent de violenter et lyncher la jeune femme du premier plan. Deux ans plus tard, des expositions dénonçant le lynchage furent organisées à New York.

  

► 4 - Vers un Art Moderne américain

Jackson Pollock

Untitled (1938-1941)

Station service (Edward Hopper - 1940)

 Bon, on avait tout oublié ou presque de la conférence quand on est allées voir l'exposition mais internet remet les pendules à l'heure !

Un petit selfie pour vous montrer qu'on était bien emmitouflées par ce grand froid...

Le bassin des Tuileries était gelé et les canards faisaient des glissades dessus !